РАЗГОВОР О ТРАНСФОРМАЦИИ ХОЛУЙСКОГО СТИЛЯ
Статья была
напечатана в районной газете "Светлый Путь” в 2005 году,
естественно
постриженная и поправленная...
В начале был Мастер, и у него было много подражателей, так появилась
«школа», потом «школа» взяла за основу наилучшие наработки Мастера и его
подражателей, так возникла «традиция», но если «традиция» не развивается
то, в конце концов, она становится догмой, а догма это зачастую - мертвечина.
Пожалуй,
холуйский промысел можно назвать одним из самых интересных по своей
истории стилистики. Что такое холуйская стилистика, на чём она основывалась и
развивалась и что ждет этот промысел дальше?
Холуйская миниатюрная живопись «родилась» позднее всех четырех лаковых промыслов России. В 1934 году. Уже 10 лет, как существовал Палех. Мстёрская артель работала во всю, уже не говоря о первоисточнике всех лаковых промыслов - Федоскино. У каждого промысла было своё лицо, свой стиль. И лишь холуйские мастера вынуждены были искать свой путь, стараясь найти ту грань, которая позволит им быть не похожими ни на один из перечисленных промыслов. Хотелось бы чуть-чуть поразмышлять на эту тему, поскольку слишком много идет разговоров о том, что холуйский стиль «размазался», исчезает Холуйская «школа», нет четко очерченных границ. А может, просто пришло время поговорить об этом.
Становление
стиля Холуйской лаковой миниатюры и его кульминация на сегодня - связаны
с творчеством Тихонравова, Кротова, Белова, Денисова, Киселева, Фомина,
Бабурина, Елкина, Митяшина и других выдающихся мастеров Холуйской миниатюры
40-90 годов 20 века
В силу
яркости своего таланта они отличаются друг от друга, но при этом они связаны
нитями исторической преемственности, выраженной в преемственности
стилевой. Стилевую систему 40 - 90 годов как целостность, можно подвергнуть
большому сомнению. В своем развитии в течение стольких лет,
стилевая система заключала в себе несколько этапов. И, тем не
менее, мы позволяем себе говорить об этом, как не только о едином
периоде истории декоративной росписи того времени, но и о едином стиле
промысла. А так же об индивидуальном проявлении стиля в творчестве
отдельных художников. Таким образом, Холуйский стиль представляется
сложной структурой, имеющей разветвленные внутренние связи. Это как поле
многотравья - сотни видов цветов, но каждый по-своему прекрасен и
неповторим.
Несмотря на
индивидуальные отличия мастеров. Главное и определяющее свойство стиля -
установка на общее, а не на индивидуальное, поэтому стиль можно определить как
выражение закона единства в многообразии при котором само разнообразие
возможно в рамках единой системы и её признаков. В декоративной живописи
стиль складывается на основе длительной традиции и её преобразования в
соответствии с требованиями времени. Он был результатом коллективных усилий, на
которые «накладывалась» и воздействовала творческая воля отдельных выдающихся
мастеров. Вносившиеся ими изменения, «поправки», осваивались становясь всеобщим
достоянием, снова приобретали свойства традиции и передавались следующим
поколениям, опять сливаясь с общими признаками стиля. На значительном отрезке
времени названные мастера определяли и выражали каждый эпоху
средствами своего мастерства.
Стиль
выступает, как категория надличная, хотя каждый мастер развивает его
особенности по-своему, создавая собственный вариант стиля. На примере
творчества (иконописцев и многих миниатюристов) особенно ясно, что стиль
предопределял некоторую «формульность» мышления. Которая, однако, избавляла
каждого отдельного художника от необходимости решать самостоятельно
многие художественные проблемы, высвобождая его творческую энергию для
другого, в том числе для поисков передачи оттенков чувства, нюансов переживания
данной темы, что и отличало каждое новое произведение от ранее созданного.
Важно
подчеркнуть то обстоятельство, что сложение стиля было одновременно и процессом
самоопределения Холуйской миниатюрной живописи с её особым языком и средствами
выразительности. Создавая композиции, доставляющие наслаждение своей красотой,
дающие радость глазу, мастера Холуйской росписи совершенно иначе, чем художники
других жанров, использовали цвет, строили пространство, создавали ритмический
рисунок, организующий изображение. Это и есть признаки, определяющие свойства
всей системы, с помощью которой и может быть описан сам стиль.
Для стиля
декоративной росписи на папье-маше в целом можно выделить три основных
признака, касающихся построения пространства, употребление цвета и роли
ритмического построения композиции. Как правило, пространственное построение
росписи тяготеет к плоскостному решению, к сближению изображенных
предметов с фоном. При этом увеличивается роль самого фона, а передача
объёма вытесняется передачей силуэта. Соответственно и цвет получает не
изобразительные, а декоративные функции в первую очередь. Первостепенную,
организующую роль в композиции росписи имеет и ритм. На основе, которого
строится взаимоотношение предметных форм, пространства, цветовая гармония
целого.
Каждый
из этих признаков присущ и другим жанрам живописи или даже
декоративно-прикладного искусства, но лишь все вместе, в совокупности и
взаимодействии, они живут в лаковой миниатюре и определяют их
особенности. Именно в данной стилевой системе эти признаки получают
особенно большое значение и активизируются, становясь не только
признаками формы, но и содержания произведений. Составляя не сумму, а целостную
систему, стилевые признаки образуют сложную структуру, внутри которой, как уже
отмечалось, возникает множество вариантов – индивидуальных стилевых
особенностей каждого отдельного мастера.
Необходимо
признать, что этот фрагмент есть ни что иное, как вольная
импровизация Николаевой. Н.С. «Декоративные росписи Японии 16-18
веков». Однако какой ёмкий и грамотный анализ дан для характеристики стилистик
современных народных лаковых промыслов. Будто про нас и наше время
написано.
* Советская
власть наложила свой отпечаток диктата в виде НИИХП которое довольно
долго «направляло» развитие Холуйского промысла. В этом отношении можно
вспомнить различные собрания и семинары, проводимые в стенах этого института и
на различных встречах и юбилеях. Когда с «высоты» Московского научно
исследовательского института Холуйским мастерам «рассказывали и показывали»
куда и как надо двигаться, отнюдь не заботясь, что бульдозером проехались по
судьбе какого то художника. В качестве примера можно привести слова Киселева
Н.Н., когда он, рассматривая и анализируя работу Комарова М., с горечью
произнес: - в своё время нам не разрешали так работать. Работа Комарова М.
носила явный отпечаток живописно–графического решения. Другой ярчайший пример,
когда на выставкомах попросту «сожрали» Тихонравова Б.В. – это лауреата,
бронзового медалиста Брюссельской выставки 1959 г.
**
Именно в этом смысле великими художниками можно назвать Тихонравова
Б.В. – это эпоха 50 годов, когда соц.реализм и станковизм господствовали в
Советском Союзе. Да и не было после него лауреатов международных выставок.
Следующим можно назвать Белова В.А. он успешно подхватил доминирующее на
то время направление конструктивизма.
В
нашем мире нет постоянной величины… и порою становиться не по себе, когда
человек безапелляционно заявляет – это Холуйский стиль. Становление промысла
происходило и происходит долго и мучительно, и хвала Всевышнему, что у истоков
холуйской миниатюры стояли настолько разные (необходимо
отметить то, что уже основоположники заложили разное видение на
стилистику промысла ) мастера: Мокин Сергей Александрович и Костерин Алексей
Михайлович, Пузанов-Молев и Добрынин Дмитрий Михайлович. Следующая плеяда
мастеров была тоже удивительно многогранна но, однако, что мы видим
в стенах Холуйского музея? Это время отмечено потрясающим
всплеском живописного начала в лаковой миниатюре Холуя.
Тихонравов Борис Владимирович с его утонченным восприятием линии и цвета,
ранее творчество Бабурина Николая Ивановича пронизанное потрясающей
лирикой и живописностью, Фомин Валентин Иванович с его цветовыми и
колористическими находками Киселёв Б.И. и Денисов Николай Николаевич… Все
отдали дань времени – живописности. Ранние работы Белова В.А. тоже
были решены в ярко выраженном живописном стиле. Следующий этап можно назвать
ломкой, откатом от находок того времени. Все прекрасные, завоеванные
возможности тех лет – упустили, (нет, не упустили, отложили до времени, так
наверное будет правильней), кардинально поменяв вектор поисков на декоративно
плоскостное направление. Да ещё усугубили все это конструктивистскими
формами конца шестидесятых, начала семидесятых годов. Ярчайший и талантливейший
художник и педагог того времени Белов Владимир Андреевич. Его
монументальные, лаконичные формы, только подчеркивают масштабность избранных
образов. Но блеск и неординарность таланта, явление как всегда не однозначное.
Сколько художников он поставил на ноги, но и сколько судеб поломалось об этот
фанерный стиль. Хотя обвинять Белова В.А. в формировании этого стиля было
бы далеко не справедливо - это веяние времени.
Четвертым
поколением Холуйских мастеров можно назвать учеников Белова В.А. - Елкина
В.А. Митяшина П.А. Седова В.Н. Смирновых А.А. и А.Я и др.
направление развитию и поискам дал всё тот же Белов В.А.– икона. Книги по
иконописи по тем атеистическим временам почти запрещенные, все равно
находили и пользовались во всю. Итогами этого этапа стали многосложные
комбинации с утонченной колористкой, прекрасными графическими решениями,
основанными на всех трех направлениях: живописном, декоративноплоскостным и
иконописным. Так, где же истинный Холуй?
Мы упустили
(осознано) третье поколение мастеров. Они не сыграли решающей роли в
формировании стиля – это было время разрыва между поколениями художников. Шубин
Н., Лапшин Н., ….все названные имена сливаются, во что-то единое, хотя у
каждого из них прекрасный потенциал, чувство гармонии и пластики. Но как-то
остались они, на вторых ролях не оказав существенного влияния на развитие
промысла, не заставили говорить о себе как о потрясающих мастерах. И
вероятно только Морозов А. дал такой мощный всплеск индивидуальности, что об
этом явлении стоит упомянуть отдельно.
К концу 20 столетия развитие и поиски Холуйского стиля, в основном
сформировавшегося в период 50 – 60 годов, а корнями уходившего в гораздо более
далекие - 30 годы, не закончились. Как говаривали в творческой группе
располагавшейся на предприятии: - нынче нам платят за «поголовье». Так метко и
ёмко характеризовал Смирнов Александр (черный), те тенденции, что доминировали
на тот период. Основа для построения композиций (с подачи В.А.Белова) была
иконописная литература: в основном московские, ярославские письма. Широко
пользовались «царскими иконописцами» - Симоном Ушаковым, Яковым
Казанцом, Зубовым. Книги с владимиро-суздальской иконописью (якобы
основой стилистики нашего промысла) были не слишком в почёте. Видимо из за
бОльшей простоты форм и трактовок иконописных сюжетов. А с нас требовали –
мудрёные, сложные композиционные решения, насыщенность событийного ряда и
конечно богатство форм, цвета и разделки. Эти критерии официально ни кто не
озвучивал, но в реалии на выставкомах, беседах с коллегами и консультациях
с мастерами они существовали и были определённой канвой развития стилистики. И
надо отдать должное, творческая группа с этими задачами великолепно
справлялась, с каждым годом наращивая объём и количество "поголовья"
персонажей на небольших по размерам коробках и пластинах. Уже перед самой
перестройкой кто то из "золотого выпуска" взмолился: - мужики,
воздуха не хватает в работах, работы - не дышат.., но тут грянула перестройка.
С началом перестройки и возможностью художников работать автономно от
ведущего монопольного предприятия, а значит быть более свободными и
раскованными от диктата выставкома т.е старшего поколения, НИИХП и
различных «доминирующих» точек зрения. Началась новая, очередная ступень в
развитии промысла. Как и в любом явлении, здесь были представлены и
положительные и отрицательные качества. Мастера, имеющие талант и совесть от
бога искали свой собственный путь, основываясь на изобилии хлынувшей
визуальной и прочей информации. Как это ни странно, но в Советское, якобы
«читающее» время, литературы, в том числе и по живописи и по графике было
значительно меньше, чем сейчас и это не могло не сказаться на творчестве
холуйских художников. Ну а те, кому понадобились деньги, ринулись их
зарабатывать, либо с головой окунулись в иконопись***.
Ещё раз
повторюсь, что огромную роль сыграл тот фактор, что основоположники
Холуйской миниатюры были вынуждены искать между миниатюрной живописью
Федоскино, декоративно плоскостной росписью Палеха и лучезарностью
Мстёры. И если у Холуйских мастеров вначале было очень узкое пространство
для поиска и становления своей стилистики, то сейчас по прошествии времени и
осознании всех уже пройденных направлений, появился огромнейший спектр
возможностей. И хотя Холуйский промысел якобы нашел себя, позволю
себе не согласиться с этим утверждением - явление поиска не закончено. И,
наверное, это хорошо, у нас есть возможность - быть разными. Но качаясь от
«Федоскино» до «Палеха» нельзя забывать о главенствующем постулате – работа
должна быть привязана к предмету, гармония линий, правильность рисунка и
цветовое решение должны составлять с ним единое целое. И конечно нельзя
забывать о том, что культура исполнения миниатюрной живописи не должна
опускаться до откровенной халтуры несущей якобы печать «мастерства». Нарочито
лихой мазок или лубочная упрощённость не могут найти оправдания на маленькой
поверхности лаковой коробочки. Маленький размер требует соответствующего
отношения - ювелирнейшего, профессионального исполнения. Иначе это просто
наплевательство на зрителя.
В понимании
и становлении стилистики Холуя «о единстве взгляда на стиль» сейчас
вероятно происходит другой, обратный процесс. А это уже явление иного порядка,
т.е. осознание художником себя как индивидуального неповторимого мастера
подводит нас к мысли о завершении промысла как единого целого по стилевому
признаку? Что это начало нового этапа развития или конец? Сегодня, доминантой становится
- внутренняя культура художника, основанная на его мировоззрении и отношении к
системе ценностей. Подобная оценка творчества Холуйского промысла
имеет своё историческое оправдание и объяснение. Изобилие хлынувшей
литературы, дало возможность наблюдать и изучать, пусть даже по иллюстрациям,
творения великих мастеров. Очень часто лаконичные и пробивающие до глубины души
работы гениальных художников давали и дают нам возможность укрепиться во
мнении, что осмысленная простота выражения при глубине мысли и чувства -
неотъемлемые качества всякого подлинного произведения. Пожалуй этот критерий
можно смело ставить главенствующим при любом, из избранных векторов стилистики.
И этого не стоит бояться - мы повторяем путь пройденный однажды Федоскинцами.
Где упор на копии с работ великих и известных мастеров привел их к осознанию и
рождению новых интересных находок, которыми восторгаются ценители и зрители
лаковой миниатюры. Ныне можно наблюдать перетекание направлений и стилистик из
одного промысла в другой, но как правило этим занимаются незаурядные личности,
художники не побоявшиеся перешагнуть рамки догматов, ищущие нечто новое для
себя и своих коллег. Время перемен позвало за собой к новому осмыслению задач
стоящих перед нами.
Опираясь на
все вышеизложенное необходимо учитывать, что любой промысел всегда был, есть и
будет определенным сегментом социума находящегося во времени и пространстве. И
от того насколько он востребован, напрямую зависят стилистические формы
развития миниатюрной или иконописной живописи. Давайте проведем небольшой
экскурс в историю хОлуйского промысла. Необходимость, востребованность икон
до начала 20 века заставляла художников осваивать пласты различных иконописных школ и формирований и уже на этой основе строить свою хОлуйскую
школу иконописания. Отнесение искусствоведами хОлуйской иконы к направлению
лубка, показывает, что недостаток информации или же не востребованность в
высоких формах была объективной реальностью воздействовавшей на формирование, а
точнее на отсутствие традиций. И только перед самой революцией
влияние Харламовской школы стало поднимать уровень холуйской иконы до понятия
определенной (холуйской) школы иконописания. С этих позиций можно
решительно пересмотреть отношение к прежним авторитетам, заявлявшим, что мол
Холуйская стилистика ограничена (от сих и до сих, а остальное мол от беса, а
точнее от Палеха или от Федоскино). Как показывают исследования и здравый смысл
Холуйская стилистика настолько универсальна и многогранна, что этому могут
позавидовать иные промыслы, догматизировавшие свой стиль до
безысходности и ныне вынужденные болезненно принимать неординарные «поиски»
молодого поколения.
На сегодня
лаковая миниатюра Холуя поступательно развиваясь и претерпевая трансформации
подошла к такому рубежу, что возникла необходимость более глубокого осмысления
своего места в социуме, рыночных отношениях и самое важное в культурном
пространстве России. С сожалением можно предполагать, что ручной труд художника
миниатюриста никогда не сможет конкурировать с механизацией и
компьютеризацией промышленного производства сувениров. Значит упадок и
гибель большого слоя сувенирной продукции сделанной руками художников
неизбежны. Это необходимо признать. Какие бы финансовые или иные
вливания в промысел не были сделаны, они уйдут либо в карманы посредников и
предпринимателей либо в небытиё, как в песок, не принеся нужного вектора развития
для производства продукции, а значит и промысла в целом.
Как возможный вариант сценария развития
хОлуйской общины могу предположить:
· Частичную переориентацию
специфики применения миниатюры, сил художников.
· Расширение рынка сбыта (наряду
с качественным подъемом продукции).
· Организация и проведение
выставок. Реклама выставок. Медио-проекты.
· Создание рекламных проспектов и
видео-роликов рассказывающих о промысле.
Возможно так же предусмотреть использование графических возможностей
художников в плане иллюстрирования печатной продукции.
Росписи храмов
Оформления и росписи гражданских объектов
Использование опыта художников в создании аксессуаров интерьера
О иконописцах
Ни как не могу
согласиться с тем утверждением отдельных холуйских мастеров, что в иконописи
силен момент творчества, что это якобы «высшее духовное творчество».
Этого не может быть по нескольким причинам: иконописание подразумевает
сотворчество со Всевышним то есть - «не я пишу, а Господь пишет моей
рукой» по жестким канонам утвержденным патриаршими соборами. А где же тогда моё
Я? Как художника, творца? И зная априори, что я ни когда не смогу
конкурировать со Всевышним, всё же пусть лучше останется на этом свете моё
несовершенное видение на мир, чем морально этические установки православия. Это
гордыня? Конечно! Но потому я и творец, то есть я создаю свой мир, живя в
согласии и благодаря Господа за мир созданный им. И здесь нет противоречия,
здесь есть осознание Пути.
Время показало, что мои прогнозы были почти пророческими. Буквально по
прошествии нескольких лет, некоторые из моих «предсказаний» стали активно
осуществляться. Ныне многие художники участвуют в росписях храмов по всей
России. А такие мастера как Сергей Захаров, Блиновы Владимир и Иван на росписях
особняков. Выпущена книга сказок с иллюстрациями Бабаркиной Надежды. Жаль
только, что иная часть предложений не используется: медио-планы, выставки,
реклама и пр. Но здесь можно понять наших барыг арт-дилеров. Такие
вложения для них не актуальны – они не приносят моментальной прибыли...